Unidade Escrita

Trabalho e consciência poética em Adília Lopes

2010-11-14T18:55:00.001-02:00

Pra quê sacrificar mais uma página em branco?

se ainda escrevesse em peles de bezerros recém-nascidos

atrevia-me a sacrificar recém-nascidos?

acho que sim

(Adília Lopes)

No Brasil, talvez em Portugal também, a poetisa Adília Lopes não dispensa as apresentações. Ao contrário do que se pode pensar as literaturas brasileira e portuguesa continuam de algo forma entremeadas mesmo após a consolidação de um sistema literário brasileiro, dada a também consolidação de um sistema mundo, que inclui a arte. Seu trabalho muita vezes recebe o título de poesia pop, mas demonstra em muitas ocasiões sua ligação com a tradição lírica portuguesa e mundial. Pós-moderna, mas inserida em um sistema literário forte como o português. Publicou seu primeiro livro “Um jogo bastante perigoso” em 1985 e tem publicado livros de poesia que costumam se aproximar da narrativa, e, com apenas uma exceção, nunca em grandes editoras. Apesar da grande “legibilidade” de sua poesia do ponto de vista literário, do ponto de vista do público continua desconhecida. Seus temas muitas vezes giram em torno da vida cotidiana, da casa, do amor, e muitas vezes do próprio fazer poético, como é característico da arte verdadeira, questionando-se. A beleza, no entanto, sempre perpassa todos os demais temas, com elementos que se aproximam do kitsch, há também muitas insinuações metalingüísticas.

Dadas essas características e lendo alguns poemas de Adília Lopes vemos eles demonstram a consciência poética e da arte como trabalho que essa poetisa tem realizado. Consciência poética é aqui entendida como aquela característica do artista que tem um senso crítico radical “com o aguçamento quase insuportável de uma visão crítica de sua função e da função da própria poesia”.

Em Louvor do Lixo, de 2002, Adília se apresenta como a mulher a dias, ou a diarista em Português do Brasil, que deve arrumar ao poema. Há uma aproximação com o trabalho diário, minucioso e comezinho de se limpar uma casa. Mas não basta deixar tudo em ordem, “desentropiar”, é necessário agradecer pelo ininteligível, pelo que não é possível organizar, deixar totalmente às claras. Assim, “é preciso agradecer ao pó, que torna o livro ilegível como o tigre”. A poeta nos chama atenção aqui para a importância de se olhar para a vida em si, o poema é a casa limpa e organizada, mas pelo pó e pelo cão que derruba e embaralha novamente o quebra-cabeças é possível não ler, mas interpretar e conhecer profundamente a vida, representada na forma do tigre neste poema. Aliás, a escolha da palavra puzzle, em língua inglesa, ao invés de quebra-cabeças é uma maneira de desorganizar o poema de dar-lhe alguma ilegibilidade como faria o pó a que ela se refere. O mesmo nota-se no quase trava-línguas obtido nestes versos. Essa característica da poesia de Adília é muitas vezes criticada negativamente, chegando-se alguns críticos a dizer que ela faz jogos de palavra, mas não poesia.

A temática de oposição vida e arte pode ser muito bem notada também nos poemas A casa, [Clarice Lispector], [Não gosto tanto] e Rosas com bolores (de fato os poemas indicados entre colchetes não têm títulos, tratam-se do primeiro verso). Veja-se ainda problematização desta questão em versos de dois diferentes poemas:

“A vida é um livro/ e o livro/ não é livre”

“A vida não é um livro"

O bolor das rosas, os defeitos dos vidros, o pó, o cão que derruba o puzzle são elementos que nos revelam mais que uma métrica perfeita ou escolhas de palavras mais líricas, mais “poéticas” por assim dizer. No entanto, nos revelam ao dar alguma ilegibilidade, ao usar do corriqueiro e acentuar esses pequenos detalhes, destacando-os no poema. Não é mais um poema que trata da vida cotidiana, mas matéria prima da vida diária estilizada, cristalizada na forma lírica. Assim notamos o lirismo de Adília Lopes como uma maneira especial de recorte do mundo e de arranjo da linguagem. De maneira particular, o que lhe dá potência estética e originalidade, mas sempre dialogando com a tradição lírica que ela bem conhece, deixando isto claro em referências a:

Camões:

Com fogo não se brinca

porque o fogo queima

com o fogo que arde sem se ver

ainda se deve brincar menos

do que com o fogo que arde sem se ver

é um fogo que queima

e muito

e como queima muito

custa mais

a apagar

do que o fogo com fumo.

Mallarmé: Não gosto tanto/de livros/como Mallarmé/parece que gostava

e mesmo, Clarice Lispector:

Clarice Lispector,

a senhora não devia

ter-se esquecido

de dar de comer aos peixes

andar entretida

a escrever um texto

não é desculpa

entre um peixe vivo

e um texto

escolhe-se sempre o peixe

vão-se os textos

ficam os peixes

como disse Santo António

aos textos

Nos deixa claro assim que é reconhecida a separação entre a vida e a arte. E que não é papel da arte, da literatura, saciar a fome, dar teto, evitar o caos, mas sim de sensibilizar para a desumanidade diária que se naturaliza aos nossos olhos. Ao nos apresentar um mundo completo, laborado, acabado que é produto do trabalho humano, de um poeta, Adília nos mostra que outros mundos são possíveis de se realizar, mais que isso, nos chama para a consciência de que este mundo cheio de defeitos é não obra de acaso, de fatalidade, mas também produtos de nossas ações como agentes históricos. È claro que este outro mundo construído é também o produto de um trabalho, um trabalho rigoroso, complexo, cansativo, como ela nos mostra em Rosas com bolores. Mas ao mesmo tempo é um trabalho que tem algo de perverso, como o sacrifício do bezerro recém-nascido para obtenção do material onde se escreve, o poeta tem que tirar da vida os elementos ou melhor tirar-lhes a vida para realizar sua poesia. Ela bem os sabe, como fica claro nos poemas que citamos aqui.

Se consideramos Adília Lopes uma poetisa de profunda consciência poética não é apenas porque ela consegue escrever seus poemas mostrando-nos apenas a ponta de um iceberg que nos leva a compreender sua parte invisível. È também porque a vida é a todo momento considerada e problematizada, como no poema que citamos na perífrase. E ainda porque o trabalho de poeta é esmiuçado como vimos em Rosas com bolores e reconhecido em sua potência como podemos notar em:

Com fogo não se brinca

porque o fogo queima

com o fogo que arde sem se ver

ainda se deve brincar menos

do que com o fogo que arde sem se ver

é um fogo que queima

e muito

e como queima muito

custa mais

a apagar

do que o fogo com fumo.

____________________________________________

A casa

Os defeitos dos vidros

das minhas janelas

são tão antigos

que já não se fabricam

vidros com defeitos assim

há muitas décadas

Olho para o tecto

pintado de branco

com enfeites de estuque

e fico a ver as sombras

que os defeitos dos vidros

causam

Pelas janelas

vejo a luz do Sol

nos choupos

os azulejos azul-turquesa

da casa em frente

e os ferros pintados de verde-escuro

das varandas

In: Le vitrail La nuit * A áarvore cortada (2006)

∞

Clarice Lispector,

a senhora não devia

ter-se esquecido

de dar de comer aos peixes

andar entretida

a escrever um texto

não é desculpa

entre um peixe vivo

e um texto

escolhe-se sempre o peixe

vão-se os textos

ficam os peixes

como disse Santo António

aos textos

In: Clube da Poetisa Morta (1997).

∞

Louvor do Lixo

para Amra Alirejsovic

(quem não viu Sevilha não viu maravilha)

É preciso desentropiar

a casa

todos os dias

para adiar o Kaos

a poetisa é a mulher-a-dias

arruma o poema

como arruma a casa

que o terremoto ameaça

a entropia de cada dia

noss dai hoje

o pó e o amor

como o poema

são feitos

no dia a dia

o pão come-se

ou deita-se fora

embrulhado

(uma pomba

pode visitar o lixo)

o poema desentropia

o pó deposita-se no poema

o poema cantava o amor

graças ao amor

e ao poema

o puzzle que eu era

resolveu-se

mas é preciso agradecer ao pó

o pó que torna o livro

ilegível como o tigre

o amor não se gasta

os livros sim

a mesa cai

à passagem do cão

e o puzzle fica por fazer

no chão.

In: A mulher a dias (2002)

∞

Rosas com bolores

Tenho sempre perto de mim

geralmente na minha mesa de cabeceira

um ramo de rosas

todas as manhãs a primeira coisa

que faço quando acordo

é observar atentamente as rosas

a ver se algum bolor poisou

na pele das rosas

quando isto acontece

é muito raro

mas eu gosto de coisas preciosas

e sou paciente

deixo de dormir

para observar o crescimento

desigual e lento do bolor

a pouco e pouco o bolor

vai cobrindo a pele da rosa

ou antes

alimentando-se da pele da rosa

adquire o feitio da rosa

mas a pele da rosa

não está por baixo do bolor

desapareceu

é preciso estar sempre atenta

porque no instante em que

o bolor não pode alastrar mais

a não ser alastrando-se sobre

si próprio

e alimentando-se de si próprio

ou seja suicidando-se

naquele acto de infinito amor

por si próprio

que é afinal todo o suicídio

a rosa pode andar pelos seus pés

antes de ela partir

beijo-a na boca

depois ela parte

e desaparece para sempre da minha vida

então eu vou dormir

porque estou muito cansada

as rosas com bolores cansam-me

∞

Não gosto tanto

de livros

como Mallarmé

parece que gostava

eu não sou um livro

e quando me dizem

gosto muito dos seus livros

gostava de poder dizer

como o poeta Cesariny

olha

eu gostava

é que tu gostasses de mim

os livros não são feitos

de carne e ossso

e quando tenho

vontade de chorar

abrir um livro

não me chega

preciso de um abraço

mas Graças a Deus

o mundo não é um livro

e o acaso não existe

no entanto gosto muito

de livros

e acredito na Ressurreição

dos livros

e acredito que no Céu

hajaa bibliotecas

e se possa ler e escrever

∞

Uma postagem 'readymade'

2010-07-05T15:32:00.001-03:00

O processo de acumulação artística se expõe quando comparamos estas obras: Roda de Bicicleta, Parangolé e Pier Espiral. Isso porque podemos considerar Smithson e Oiticica tributários da obra de Duchamp, no entanto, é possível notar uma série de 'avanços' quanto à primeira. Se tomamos como base a obra Roda de bicicleta, 1913, de Duchamp podemos considerar que a interação com o interpretante é bastante tradicional. Nas obras de Oiticica e Smithson ela parte para uma forma mais direta de interação, o que é claro não implica em diferenças de intensidade ou potencial estético da obra.
Se na obra de Duchamp a matéria prima pronta se compõe de um banco e uma roda de bicleta, na obra de Oiticica não apenas o tecido, mas também a idéia de parangolé e ainda na de Smithson teríamos as rochas, terra e água (earthwork) e a própria idéia de pier. Acredito ser importante diferenciar nessa obra que o que ganha novo valor, nova conotação é justamente a idéia do que seria um pier, ou seja, apenas é ressignificado o elemento que provém de um processo humano de elaboração e não os materias naturais utilizados.
Parece então haver um amadurecimento quanto ao que seriam os processos do homem frente à natureza (trabalho), não apenas o produto industrial é reconhecido como produto de trabalho, mas o tecido, as cores, as danças e as próprias idéias se enquadram agora nas linhas de produção.
Tanto no Parangolé,1964, quanto no Pier Espiral ,1970,podemos dizer que há uma noção de happening inclusa. Isto porque é possível considerar que estar obras apenas existem plenamente no momento em que são 'visitadas' ou seja no momento em que há um interpretante que interage com ela e como propoem seus criadores, especialmente Oiticica a criam simultaneamente. Digamos que a obra apenas existe em movimento, toda vez que o parangolé para a experiência estética plena cessa. Ao contrário de Duchamp, em que estar parado é que provoca a experiência, aliás, mais que isso a imposibilidade de se movimentar no seu senitdo utilitário e original dado à roda de bicicleta.
A obra de Duchamp pode ser vista em uma galeria, a obra de Oiticica se propõe a pelo menos diferenciar esta experiência, enquanto que a obra de Smithson subverte inteiramente a idéia de galeria, havaria aqui talvez um gradiente de deslocamento do local de exposição.
Portanto é nítido um ponto de partida comum, com diferentes afluentes e produtos que se mostram autônomos, como toda arte quer/pode/deveria ser.

P.S. Gostaria de sugerir uma olhada na obra do Stéphany Vigny - Ele expôs no Museu Inimá de Paula esse ano, é um representante jovem do readymade, achei bastante interessante. Neste site você clica em ouvres e depois clicando no título da obra é possível ver os trabalhos.

http://stephanevigny.free.fr/oeuvres.html

Pathos e Problema em Édipo Rei

2010-06-30T11:58:00.000-03:00

O pathos pode ser confundido com ao “fala patética que comove” do lírico, mas deve ser compreendido diferentemente do “derreter-se lírico”, que uma ação que quase não se nota e é interior e que pressupõe a simpatia de uma alma igualmente disposta. A ação do pathos não é tão discreta, pressupõe um choque brusco. Uma resistência deve tentar romper com ímpeto. O pathos como descrito por Emil Staiger (Conceitos Fundamentais de Poética, 1972) não deve como no lírico “derramar-se em nosso ímpeto” tem, muitas vezes, ao contrário, que ser gravado a força. O pathos da dor abrange tanto o momento em que o próprio herói e os que o cercam reconhecem o terrível sofrimento, como também o grau de consciência que capta essa dor.

Em Édipo Rei, por exemplo, o destino do herói é seguido de perto pelo coro, responsável pelos momentos de canto e dança na tragédia. Ainda há a figura do Corifeu, uma espécie de líder dos coreutas, que estabelece o elo de ligação entre a comunidade (que o coro representava) e os atores. É quem efetivamente dialoga com as personagens. Cabe ao coro a junção entre a emoção e a reflexão, o pathos e a ética. Exemplo: “Como puderam, rei meu senhor,/ as sementeiras do rei teu pai/ dar-te acolhida, silenciosas,/ por tanto tempo? Como, infeliz?”. E, ao final, o Corifeu parece desvendar a moral da história: “Sendo assim, até o dia fatal de cerrarmos os olhos não devemos dizer que um mortal foi feliz de verdade antes dele cruzar as fronteiras da vida inconstante sem jamais ter provado o sabor de qualquer sofrimento.

Em Édipo, Rei o espectador sabe como deverá ser o desfecho, pode assim relacionar cada gesto, cada palavra com a cena final. Neste caso pode-se unir a mais clara antecipação do futuro a uma vivíssima tensão, e fazer contrastar o claro-escuro da ironia trágica. Assim, pode-se dizer que o pathos quer e o problema pergunta. Em Édipo Rei o pathos do herói e a problematização identificam-se.

Raul, Tom, Tati e Nina

2009-12-16T21:25:00.001-02:00

Passando os canais da tevê, vejo Raul Gil anunciando que o quadro do chapéu ia ter a presença do Tom Zé*...

Sabe a coisa que não combina? Raul Gil com Tom Zé.

Mas a verdade é que não existe mais nada que não combine, porque não ornar ficou na moda, ruptura é a tradição. Essa lógica é mesma que possibilita um noticiário falar de pés de laranja e dos sem-terra, do pé queimado do Adriano, do Flamengo e do Brasileirão, enchente nas maiores cidades e prêmio Emmy, novela da globo tudo num mesmo bloco. Pior, entram os reclames, começa a novela, vem a vinheta da vida real e é tudo igual, tudo recebido pacientemente. Nesse contexto, não tenho mais dúvidas que o expectador não é uma mera vítima do sistema mas é um cumplice, é conivente.

Voltando ao Tom Zé, resolvi assistir o programa desse sábado (07/11/2009) pra ver o que ia rolar. E ele começa a falar de liberação sexual da mulher, fazendo uma espécie de apologia ao orgasmo que eu achei até bacana. Aí começa o problema, ele começa a falar de Tati Quebra Barraco e semiótica, dizendo que ela liberta a mulher, que quando fala que está ficando atoladinha está dizendo que está tendo uma lubrificação íntima abundante e coisas do tipo. Há algo de libertador em uma mulher, negra, favelada, feia, acima do peso aparecer em palco sendo totalmente liberada sexualmente, ou pelo aparentando. Sim, há algo de libertário, de provocador. Mas ao mesmo tempo, porque essa música é tão bem recebida pelo público, para o qual, digamos, ela aponta o dedo? Essa moça aliás, é um poço de sintomas, ela avança em relação ao Dr. Marx que dizia em seus Manuscritos Econômico-Filosóficos:

"O que existe para mim por intermédio do dinheiro, aquilo por que eu posso pagar (i. é, que o dinheiro pode comprar), tudo isso sou eu, o possuidor de meu dinheiro. Meu próprio poder é tão grande quanto o dele. As propriedades do dinheiro são as minhas próprias (do possuidor) propriedades e faculdades. O que eu sou e posso fazer, portanto, não depende absolutamente de minha individualidade. Sou feio, mas posso comprar a mais bela mulher para mim. Consequentemente, não sou feio, pois o efeito da feiúra, seu poder de repulsa, é anulado pelo dinheiro".

Hoje, como constatado nas palavras-sintoma de Tati basta "estar na moda" o que anula a feiura (agora sem acento) é a simples imagem abstrata e virtual do dinheiro, a aparência, a moda, o fantasma.

Seu hit "Dako é bom", que inclusive foi "explorado" pelo PAS como os neo-pedagogos gostam de falar, mistura preferências sexuais e fetiche da mercadoria com extrema naturalidade.

(Marilyn Monroe, por Andy Warhol)

Agora, vem o motivo de escrever este texto. Ouvindo hoje de manhã Nina Simone, me recordei da Tati Quebra Barraco, Tom Zé e do Raul Gil. Em Ain´t got no - I got life ela é ousada, negativa, provocativa, e com uma música de qualidade indiscutível ela coloca em suspensão novamente, questões sedimentadas de gênero, liberdade, raça, individualidade, autonomia e sexualidade.

(...) I got my heart, I got my soul
I got my back, I got my sex
I got my arms, I got my hands
I got my fingers, Got my legs
I got my feet, I got my toes
I got my liver, Got my blood

I've got life , I've got my freedom
I've got the life (...)

Não estou aqui querendo dizer que Tati Quebra Barraco é a Nina Simone dos anos 2000, pós-moderna, desenraizada, desistoricizada. Mas, há algo que aproxima essas duas mulheres, e especialmente, há algo que as afasta imensamente, e não estou falando de uma questão geográfica.
Não era minha intenção apontar "essa é a boa, essa é a ruim", ou essa é uma inimiga do povo e essa é a militante. Até mesmo porque a "inimiga" do povo é popular e a "militante" nem tanto. Pra finalizar, cito Hans Magnus Enzensberguer e Renato Russo, em diferentes graus de percepção e qualidade estética, abordam o mesmo tema:

Meu inimigo
se agacha nas sacadas
na cama do armário
em todas as partes no chão

Olhos fixos em mim
meu irmão

(Hotel Fraternité - Hans Magnus Enzensberger, 1957)

Quem é o inimigo, quem é você?
(Soldados - Legião Urbana, 1985)

p.s.1. Os únicos links desse texto que eu recomendo são estes:

Ain´t got no / I got life

Ain´t got no / I got life (Groovefinder remix)

p.s. 2. Não duvido que seja esta tal mesma lógica que me permita escrever sobre tudo e nada e ao mesmo tempo e ter um blogue.

*Pensando bem acho o Tom Zé chatinho...

Raul, Tom, Tati and Nina

2009-12-16T21:21:00.002-02:00

Zapping the TV channels, I saw Raul Gil announcing that the presence of Tom Zé* in the presentment of the hat... It is a kind of game that the “star” transmits opinions about several different things and persons.

Do you know that kind of thing that does not match? Raul Gil and Tom Zé.

But the truth is that, there is anything that does not match anymore, because it is fashionable does not match, and breaking is the same of tradition. This logic is the same one that allows news about orange trees and the landless (Sem-terra), the Adriano´s blister, the Flamengo Team and the National Championship of Soccer, flooding in the major cities and Emmy to the Brazilian telenovela (soap opera), all in the same block. Worse, the ads come, begins the novel, the bloc from “real life” and is all the same, all received patiently. In this context, I have no doubt that the spectator is not merely a victim of the system but is an accomplice, is complicit.

Returning to Tom Zé, I decided to watch the program this Saturday (11/07/09). And he begins to talk about sexual liberation of women, making a sort of apology to the orgasm, that I found cool. Then the trouble begins, he starts talking about Tati Quebra Barraco and semiotics, saying it frees the woman, who speaks when it's getting “atoladinha” (something like jammed) saying is having an intimate abundant lubrication and things like that. There is something liberating in a woman, black slum, ugly, overweight appear on stage is totally sexually liberated, or just appearing. Yes, there is something liberating, provocative. But at the same time, because this music is so well received by the public, for which, say, she points the finger? This girl in fact, is a poll of symptoms, it progresses in relation to Dr. Marx said that in his Economic and Philosophical Manuscripts:

"What is there for me through the money, that why I can afford (ie, that money can buy), all I the keeper of my money. My own power is as great as his. The properties of money are my own (the owner) properties and colleges. What I am and I do not, therefore, absolutely depends on my individuality ugly, but I can buy the most beautiful woman to me. Therefore, I am not ugly, because the effect of ugliness, its power of repulsion, is annulled by money".

Today, as evidenced in the symptom-words of Tati simply "being fashionable" thereby destroying the ugliness is a simple abstract image and virtual money, appearance, fashion, ghostly.

Her hit "Dako é bom," talks about sexual preferences and mix commodity fetish with extreme easiness.

(Marilyn Monroe by Andy Warhol)
Now comes the reason for writing this text. This morning, listening to Doctor Nina Simone, I remembered that Tati Quebra Barraco, Tom Zé and Raul Gil. In Ain´t got no - I got life it is strong, negative, provocative, and a music of unquestionable quality it suspends again, gender issues, freedom, race, individuality, autonomy and sexuality.

(...) I got my heart, I got my soul
I got my back, I got my sex
I got my arms, I got my hands
I got my fingers, Got my legs
I got my feet, I got my toes
I got my liver, Got my blood

I've got life , I've got my freedom
I've got the life (...)

I'm not here saying that Tati Quebra Barraco is the Nina Simone in the 2000’s, post-modern, uprooted, with no history. But there is something that brings these two women, and especially, there is something that distances them immensely, and I'm not talking about a geographical issue. It was not my intention to point "she is good, she is bad," or “she is an enemy of the people” and “she is a militant”. Even as the "enemy" of the people is very popular and "militant" is not so popular. To conclude, I quote from Hans Magnus Enzensberguer and Renato Russo, in different degrees of perception and aesthetic quality, they talk about the same subject:

My enemy
squats on the moulding
on the bed, on the dresser
especially on the floor boards
squats
his eyes levelled agaisnt me
my brother

(Hotel Fraternité – Hans Magnus Enzensberger
translated to English by Jerome Rothenberg)

Who is the enemy, who are you?

(Soldados - Legião Urbana, 1985)

P.S.1. The only links of this text that I recommend are these:

Is not got no / I got life

Is not got no / I got life (Groovefinder remix)

P.S. 2. I have no doubt that this is the same logic that allows me to write about everything and nothing at the same time and have a blog.

* On second thought, Tom Zé is boring ...

A mimosa, de Francis Ponge: "a floração é um valor estético" / Le mimosa of Francis Ponge, “the blossom is an aesthetic value”

2009-11-23T03:12:00.010-02:00

A obra A mimosa de Francis Ponge, de certa forma, estabelece um diálogo entre o pensamento Platônico e Aristotélico. Isso se dá porque Ponge parte da linguagem, que deve ter certa leveza para tratar da mimosa, o que é essencialmente Platônico apesar de sua obra ser essencialmente empírica. Para Ponge, a poesia é essencialmente o que há entre as palavras e as coisas. Ele busca uma mimosa universal, ideal, da qual fala “tenho apenas dela apenas uma idéia no fundo de mim” (p.35). Ao mesmo tempo afirma “não duvido que tenha sido pela mimosa que foi despertada minha sensualidade” (p. 35) o que nos remete ao mundo sensível, real e particular. Assim como quando fala que escrever sobre a mimosa é como girar em torno deste arbusto.

A escolha da planta mimosa para a obra encerra grande força de significados. A mimosa apresenta a característica de ser sensitiva, noção normalmente associada ao Reino Animal e não ao Vegetal. A mimosa, portanto ocuparia um lugar entre os reinos, assim como Ponge busca este lugar entre as palavras e as coisas. Ao trabalhar com a metáfora, utilizando termos como pêlos aveludados (p.33), plumas (p.43) ou piam (p.69) obtém verdade, ou melhor, verossimilhança por meio do processo de produção artística. Trata-se, portanto de discutir as fronteiras, como na obra entre a mimosa e eu e a mimosa sem mim (p.37), o que haveria? Talvez a própria produção.

O tema da estética torna-se constituinte na obra de Ponge, claramente, por exemplo, nos trechos “a floração é um valor estético” e “A flor é o paroxicismo do gozo do indivíduo” (p. 47 e 48 respectivamente). Daí pode-se depreender discussões a respeito de valor, destinação, objetivos e finalidades da arte. Como ele propõe, o Bom precede o Belo como foi apontado por diversos filósofos, para os quais a verdadeira beleza é interior.

Ponge, Francis. A mimosa. Trad. Adalberto Müller. Brasília; Ed. da UnB, 2003

Le mimosa of Francis Ponge, “the blossom is aesthetic value”.

The mimosa a Francis Ponge´s, in a sense, establishing a dialogue between the Platonic and Aristotelian thought. This is because Ponge part of the language, which must have a certain lightness to deal with the mimosa, which is essentially Platonic although his work is essentially empirical. For Ponge, poetry is essentially what exists between words and things. He seeks an ideal of mimosa, universal, when he says "I only have it just an idea in the back of me" (p.35). At the same time said "I have no doubt that it was the mimosa that was awakened my sensuality" (p. 35) which brings us to the sensible world, real and particular. So, he says that writing about the mimosa is like to turn around this bush.

The choice of mimosa plant for the work has great meaning. The mimosa has the characteristic of being sensitive, a concept normally associated with the Animal Kingdom and not to Plant. The mimosa, therefore occupy a place among the kingdoms, as Ponge search this place between words and things. Working with the metaphor, using terms such as hair pile (p.33), plumes (p.43) or twitter (p.69) gives true, or rather, verisimilitude through the process of artistic production. It is therefore to discuss the borders, between me and the mimosa and the mimosa without me (p.37),. What would? Perhaps the production itself.

The theme of aesthetics becomes a constituent of Ponge's work, clearly, for example, the terms "the bloom is an aesthetic value" and "A flower is the paroxicism of the enjoyment of the individual" (p. 47 and 48 respectively). Hence we can conclude discussions of value, destination, goals and purposes of art. As he suggests, the Good follows the Fair as pointed out by various philosophers for whom the real beauty is inside.

Bibliographic reference: Ponge, Francis. A mimosa. Translated from French to Portuguese by Adalberto Müller. Brasília; University of Brasília Publisher, 2003

To read more about Ponge: http://www.answers.com/topic/ponge-francis

"A única cantora performática do Brasil"

2009-11-17T03:47:00.005-02:00

Silvia Machete, não é manchete, mas bem que poderia ser. No show desse domingo 15 de novembro*eu descobri que até gosto de performance. Claro que ela usa e abusa disso. Fico pensando que uma forma de sacar a arte de Silvia Machete é acreditar no riso como julgamento positivo de algo. Complicado, já que tudo que é bom deve ser sério e aquilo do que rimos é ridículo. Pelo menos é assim que ensinam, falando nisso, podemos usar o clichê também pra dizer que "rimos com" ela e não apenas que dá pra rir dela, mas que dá dá.

Acho que declarar o abuso da performance, deixar a "forçação" de barra declarada não apenas limpa a barra mas gera potência artística. Da música o que posso dizer é que o repertório é muito bom e as execuções muito dignas.

A principal chave de interpretação pra essa nova "novidade" em que até o Banco do Brasil diz que se pode apostar é o cover da canção "Gente Aberta" de Roberto e Erasmo Carlos. Digo isso porque ela manda uma arte muito sensível, claro empenhada em ser aceita no mercado não só fonográfico, mas cultural. Mas ainda assim sensível, ousada porque lida com sentimentos mais basais, se assim podemos chamar. É preciso estar livre pra sentir coisas bem pouco elaboradas como: que bonito, que feio, que engraçado, que triste. É um circo com música? Mais, bem mais, espero que 2020 chegue logo pra gente poder ouvir o novo disco dela. e que não exista mais novela das oito, pena que aí não vai rolar de colocarem uma música dela.

Ah se toda bêbada cantasse assim!

P.S. 1 Quero dedicar esse texto à Malu Magalhães e à Jaqueline Ribeiro que fugiu de mim no CCBB;

P.S. 2 Essa imagem acima é do site da Silvia Machete.

*Engraçado, nem lembrei da proclamação da república, sem feriado é complicado neh?

Billie Holiday um tributo

2009-07-09T00:10:00.006-03:00

Hoje aconteceu a primeira apresentação do tributo à Billie Holiday em realização por Paula Voigt.

Voigt é cantora e atriz e prepara um espetáculo que virá de um mergulho no universo da cantora americana, grande dama do jazz. Trabalhos acadêmicos e arte se uniram lindamente hoje e parece ser uma simbiose muito produtiva para o futuro. Além da voz de Paula Voigt, o espetáculo tem Felipe Viegas ao piano e Gabriel Preusse no contrabaixo.

O horário não foi um dos elementos facilitadores, quarta 14:30. A apresentação foi breve, cerca de seis canções, entre elas Lady sings the blue, Blue Moon e Summertime.

Aguardamos o espectáculo completo, o drops de hoje foi muito bom!

Duas peças de Beckett com Sérgio Britto

2009-07-08T23:26:00.006-03:00

Em curta temporada, de 18 a 21 de junho de 2009 esteve em Brasília o ator Sérgio Britto com duas peças. Duas peças bem curtas de Samuel Beckett: "A última gravação de Krapp" e "Ato sem palavras 1".

De 1958 "A última gravação de Krapp" é um monológo em que o personagem em meio a bananas, carretéis de fitas e bebidas se perde em meio à solidão. Krapp é um velho que encontra nas gravações antigas a possibilidade de ressignificação. Aqui diferentes momentos do tempo se justapõem.

De 1956 "Ato sem palavras 1" mostra o drama de um humano sozinho que busca. Busca água, uma tesoura, sombra, uma forca, o corte. Mas, claro não alcança. Apenas a possibilidade é vislumbrada, mas de certo apenas a frustração. Com potência, encenasse a impossibilidade. Este ato tem uma música frenética e montagem cenográfica sincronizada. Chama atenção o vígor com o que o ator executa este curto, mas intenso ato.

Em ambas as peças pode-se notar que Samuel Beckett dominava a metáfora como poucos. O pessimismo característico também está lá presente. Por outra via não podemos deixar de perceber sua sensibilidade ao humano, sua preocupação em mostrar a solidão, ternura, frustração, negativamente com vistas à transformação.

Na encenação dessas duas pequenas grandes peças como peça de ligação está o ator Sérgio Britto que tem com 86 anos. Ele é brilhante em cena e fora dela também, agradecendo a platéia com beijos ternos lançados a todos.

Eu e Villa-Lobos (a sala)

2009-06-19T20:11:00.007-03:00

Estive algumas vezes na sala Villa-Lobos do Teatro Nacional Claudio Santoro, o Teatro Nacional, nesses doze anos que moro em Brasília.
A primeira vez foi pra assistir o show da nova e promissora cantautora (descobri agora que além de cantar e compor ela até pinta, massa!) da dita música popular brasileira: Ana Carolina. Ela tinha um disco apenas, era sucesso nas rádios com Garganta (Antonio Villeroy), que aliás era música de novela. Lembro que comecei a gostar só quando ouvi disco todo, tinha uma canção que minha mãe cantava quando eu era bem criança "alguém me disse, que tu andas, novamente..." Essa canção, Alguém me disse de Evaldo Gouveia e Jair Amorim, é um bolero de 1960 que fui sucesso na voz de Anísio Silva...mas realmente não sei de onde e qual versão minha mãe conhecia; uma outra, Nada pra mim, do John do Pato Fu, e Beatriz Chico Buarque de Hollanda, além das potentes composições próprias dela.

Preciso agradecer ao meu amigo e colega de apartamento na época da graduação, F.L., que me deu esse disco de presente, meu caro: "Força sempre!", como você me dizia.

Dos momentos que permaneceram na memória, lembro dela dizendo que um dia quem sabe abrisse um Armazém na W3 Norte e o momento em que ela arrancava as mangas da camisa e pernas da calça, cantando "não use roupas quentes, não me apresente seus pais..." (Perder tempo com você - Alvin L.). O Alvin L, aliás, já teve muitas canções gravadas pela Marina Lima. Certa vez eu e o F.L.. fomos ao teatro pra assistir a Marina, evento mal divulgado como tudo costuma ser aqui, não sabíamos nada ao certo, ao chegar no teatro, R$70,00 nós estudantes, bolsistas de Iniciação Científica (R$247,51) voltamos pra casa bem murchinhos... Muitos anos depois, finalmente assisti a Marina, de graça... ironias da vida.
Alguns shows musicais depois; concertos da orquestra Sinfônica; óperas; shows de comédia... E minha relação com esse espaço restrito e contraditório, como quase tudo no País, ainda não está resolvida.
Percebi que realmente a gente (eu e a sala Villa-lobos que "nascemos" no mesmo ano) precisávamos ter uma DR quando assisti (duas vezes) o show da Elza Soares em 2008. Explicação: eu fui ao show com uma amiga e um amigo, J.R. e T.P., no primeiro dia. Um amigo extrangeiro, J.N., que estava fazendo matérias na UnB, conheceu a Elza em um bar e quis ir... tá, eu não tava fazendo nada, fui com ele no dia seguinte, novamente. A grande dificuldade nem era ir, era aguentar o show de abertura, um chorinho local, pra lá de chato, eu devo ser o único cara do mundo que não sendo parente assistiu essa banda duas vezes.
A Elza não parava de falar entre uma música e outra, pôxa, sempre admirei essa cantora, e já tinha assistido ela se apresentando com o Arnaldo Antunes, que foi incrível. Mas ela falava, falava, e era muita bobagem positivista, do tipo "tudo que se quer, é só trabalhar que você consegue"... faça-me o favor... Já era tempo de cair na real hein? Mas o pior estava por vir, ao final do show, onde ela havia cantado, por exemplo, Meu Guri (do Chico Buarque) ela começa a cantar... Sabe aquele "funk" que diz assim "eu só quero é ser feliz, andar tranquilamente na favela onde eu nasci, e poder me orgulhar e ter a consciência que o pobre tem seu lugar".... Vizualize essa cena, um bando de burguês sem noção fechado numa sala do teatro nacional, cheio de poltronas de veludo, dançando "funk" e exaltando a máxima "o pobre tem seu lugar"... claro que tem, e é bem longe da Sala Villa-Lobos. A manifestação mais fascista que já presenciei na vida. Digo isto, por se tratar de uma ação da classe média, gerada especialmente pelo medo, com exaltação do nacional (mesmo que seja de um jeito toro), segregação e unilateralismo. Quanto à música, ela tem o sugestivo título Rap da Felicidade (1995) foi composto em por Julinho Rasta e Kátia e era sucesso com MC Cidinho e MC Doca.

Nos vai-e-véns da vida, recentemente assisti Misticismo d´Os melhores do Mundo e Gota D´Água (1975) de Chico Buarque e Paulo Pontes, dirgida por João Fonseca.... As contradições continuam e a gente vai assistindo o que pinta, porque também sem um teatro, ninguém segura esse rojão (desculpem essa paródia ridícula).
Ah, o texto está cheio de links, porque eu fui até esses sites pra pesquisar uma coisa ou outra ou achei que você meu querido leitor poderia ter curiosidades como as minhas, facilita tudo ter um link neh?

P. S. Por acaso, quanto ao maestro Heitor Villa-Lobos tenho dois CDs que aqui em casa tocam de vez quando (Descobrimento do Brasil e Enescu: Cello Sonata) e Bachianas Brasileira nº5 "todo mundo" conhece um pouco, pelo menos Ária (Cantilena) e Tocata (O trenzinho do caipira). Pena essa música erudita brasileira não chegue a ser tão brasileira assim, mas isso é assunto pra uma discussão looonga... Ah, claro tem o Dado também neh rsrs

Zara o quê?

2009-06-08T10:56:00.018-03:00

Dizer que conhece Nietzsche é um bom sinal de pseudo(neo)intelectualidade neh? Se você disser que é um(a) entusiasta então... Um amigo meu, o L.M., leu em uma revista e fez questão de assinalar que "ninguém quem tenha Nietsche em casa e tenha lido pode ter uma vida sexual interessante!" Até então não descobrimos qual é a relação mas... Resolvi ir ver essa peça, depois descobri que era performance, show de comédia, Ginástica Rítmica Desportiva, Rapel, Dança... mas teatro só porque estava dentro de um. Vou chamar de encenação, porque o grupo chama assim, "se conto é tudo aquilo que o autor chamar de conto"...

Uma vez vi um cara dizendo que ia assistir uma peça pra não ter que ler o livro. No Caso de !Zaratustra! (não sei porque no ingresso dizia máquina zaratustra) acho que é o contrário, quem não leu a obra de Nietzsche fica meio perdido, pelo menos eu fiquei, só li trechos e O crepúsculo dos ídolos (Filosofia a golpes de martelo) por força do ofício. Acreditam que pedem pra os alunos do ensino médio lerem esse livro pro PAS da UnB?

Pouco posso dizer sobre o espetáculo em si, o elenco é formado pelo NuTAAN do TaanTeatro, coordenado pela diretora do espetáculo Maura Baiocchi . Sim, há algo de niilismo na obra de Nietzsche, de forma que não se pode dizer que a encenação é de todo equivocada. Ela vence muito mais pelo esforço, pela iniciativa criativa. Nós, homens "massificados" colocados pra rodar na "engrenagem econômico-utilitária" realmente só poderíamos ter dificuldades com cenas longas, coreografias não muito explícitas, e um espetáculo longo em si. Acho que é necessário abrir completamentes as portas da percepção sensível e fruir a experiência, entender não é a palavra.

A abertura é assustadora, porque não dá pra ver, nem escutar nada, pensei em ir embora nessa hora... Só tive "vontade de poder" ir embora. Queria lembrar ao Zaratustra bufão (nem tão buffo assim) que o pacto da grana foi feito quando compramos os ingressos, ninguém precisava cuspir na tartaruga pra isso..., aliás custou uma arara não uma tartaruga. No 4º movimento, gostei de partes da coreografia dos peixes, mas acho que o ritmo tem que ser melhor pensado, Dois bons momentos: os homens devorados pelo "espírito da criança" e o 7º movimento todo que lindo, rico e VIBRANTE.

Ainda assim, se os atores pretendiam cantar, o trabalho deveria ter sido bem mais intenso, essas cenas perdem em força, são extremamente amadoras. O tom da peça é confuso, como bem disse L.M. muito apolíneo pra quem se quer dionisíaco.

Nietzsche tinha um estilo aforístico, sendo assim me aproveito de um deles pra justificar porque sair de casa aos domingos e assistir um espetáculo local, sem nenhum ator da globo, e nem é show de comédia:

"Deus está morto. Viva Perigosamente. Qual o melhor remédio? - Vitória!"

P.S. 1: Como me disse em uma SMS hoje, minha amiga A.D., "meio doida, mas foi legal: melhor que ficar em casa neh?", eu diria ainda que é melhor que ir à Zara Store.

P.S. 2: Eu ia criticar a participação "especial" do bailarino no Rap do Übermensch, mas o grupo deve ter tido lá os seus motivos...

P.S. 3: Outra percepção que não foi minha, mas que compartilho completamente é a concepção sempre amena e cristã da platéia, quando lhes são solicitadas palavras que siginificam o mundo: "azul, criança, amor, brisa". Faça-me o favor, só se for no mundo dessa galera mesmo.

Gota D´água

2009-06-06T22:25:00.013-03:00

qualquer desatenção, faça não

Pode ser a gota d'água

Chico Buarque

Quando vi o cartaz dessa peça pensei em ir apenas pra conhecer o teatro de Chico Buarque. Não sabia exatamente qual o tema da peça nem conhecia a montagem, mas melhor prestar atenção. Só da atriz é que eu tinha uma vaga lembrança.

Compramos os ingressos com bastante antecipação. Foi meio frustrante ver que o teatro tinha no máximo 60% de lotação. Se era frustrante pra mim imagino para os artistas.

Digo frustrante porque o espectáculo que se seguiu foi realmente bom. Logo na primeira canção a platéia aplaudiu animada e dava pra perceber que não se tratava de um musical qualquer. O espetáculo é muito bem arranjado e os atores, em geral, têm atuações excelentes, em atuação e canto. A peça de Chico Buarque e Paulo Pontes, de 1975, transpõe a Medéia de Eurípedes para o Rio de Janeiro com qualidade, sem enfraquecer a tragédia. A grande diferença aqui é que a tragédia pessoal de Medéia agora é a tragédia social imposta pelo sistema capitalista que se mostra entremeando-se à tragédia de Joana.

Esta peça tem ganhado muitos prêmios no Brasil e em Portugal, merecidos acredito. Mas o grande prêmio que merecia era premiar os brasileiros comuns com sua visão crítica, severa e profunda da realidade social brasileira. Isso ainda não é possível, 30 anos depois de suas primeiras montagens.

P.S. Me lembrei, a Izabela Bicalho era a narizinho, engraçado, ela também cresceu... Cresceu e apareceu, sua voz é forte e sua presença muito marcada no palco. Medéia, ou sua Joana, são personagens dificei s de se interpretar. Ninguém conheceu uma pessoa em que se possa basear para interpretá-la. Ela é neta do Sol, não é uma pessoa comum, nem tão humana quanto nós.

Obviamente[i] fake[ii]

2009-05-26T15:36:00.012-03:00

Tem coisa mais fake que a palavra fake usada no meio da nossa inculta e bela[iii]? Mas é o jeito, eu que já questiono a arbitrariedade dos signos, vejo mais um ponto contra essa idéia. Falso, soaria muito casual, fáustico, embuste, pastiche? Ora convenhamos...[iv] fake é a palavra!

Imagina um restaurante de comida típica nordestina, detalhe que mesmo no Nordeste ele é um restaurante de comida típica. Que coisa não? Mesmo assim, as pessoas tão lá, os doutores, as patricinhas, bodypiercings... Ferro meio enferrujado e exposto serve de fachada pra restaurante japonês, nordestino, posto de gasolina, teatro... Que fixação é essa por tornar ruína e resíduo em belo? Pense bem meu amiguinho...continue pensando...Porquê?

Fake: comida nordestina “brasilidade na medida certa”; Fake: steak australiano e asinha de frango; Fake: sushi de tomate seco. Tudo está tão fora do lugar que qualquer lugar é não-lugar. A mocinha maquiada me servindo de avental com bottons é fake, o rapaz com roupa de quadrilha é fake, o gaijin[v] de kimono, fake demais!Bom era quando só papai-noel ou ronald mcdonald[vi] é que eram fakes.

Agora eu sou fake, com um blogue (forçando a barra pra não usar blog) fake que por muito pouco não se chama pseudo(neo)intelectualidade[vii].

Mesmo nus somos fakes, um símile de humano, ou melhor, um arremedo. Maçã de cera que de tão parecida dá pra saber que não é fruta. Pois então, é o caso humano, demasiado humano[viii], portanto res[ix], portanto coisa. Portanto... não sei, mas acho que Orides Fontela também pensou nisso, no poema Destruição (1969):

A coisa contra a coisa:
a inútil crueldade
da análise. O cruel
saber que despedaça
o ser sabido.

A vida contra a coisa:
a violentação
da forma, recriando-a
em sínteses humanas
sábias e inúteis.

A vida contra a vida:
a estéril crueldade
da luz que se consome
desintegrando a essência
inutilmente.

Você meu amigo leitor deve pensar “o que esse cara quer questionar da artificialidade da vida escrevendo um blogue?” Se você se faz esta pergunta é porque você está na minha!

(Hoje mesmo, só que mais tarde... Quando cheguei em casa, fui ler Paulo Henriques Britto e dou de cara com este poema:

A imitação do homem

é muito mais real que o dito cujo.

O original é perecível, único,

e muda o tempo todo, e acaba sendo só

a mera idéia do que nunca foi.

Já a imitação, não:

ela desfruta da imortalidade

das frutas de cera, das segundas vias,

dessas canções barata cuja autoria

ninguém se dá ao trabalho de reivindicar.

(Poema III dos "Dez exercícios para os cinco dedos" do livro Trovar Claro [2006])

________________________________

[i] No início era o advérbio.
[ii] No Michaelis tradução Inglês/Português: n 1 fraude, algo ou alguém que é falso, falsificação. 2 impostor, charlatão, farsante. he’s a fake / ele é um farsante. • vt+vi 1 falsificar, imitar falsificando. 2 fingir, disfarçar. 3 improvisar. • adj Amer falso, falsificado, afetado. a fake passport / um passaporte falso.Nem vou usar itálico porque seria fake.
[iii] Trecho do poema “Língua Portuguesa” de Olavo Bilac.
[iv] Reticências, como ensina Mario Quintana, “são os três primeiros passos do pensamento que continua por conta própria o seu caminho”.
[v] Todo mundo que não é japonês.
[vi] Me recuso a escrever com letras maiúsculas, me sobra algum brio.
[vii] Termo já corrente para tratar de um neorretrocesso cultural de vanguarda.
[viii] Claro, citando Friedrich Nietzsche “Humano demasiado humano” se você citava isso com um sentido positivo e feliz...
[ix] Do Latim, coisa.

Seria ótimo! É ótimo!

2009-05-19T11:46:00.007-03:00

Cinema, teatro, texto, performance, a vida...não necessariamente nessa ordem: é o curta-metragem "O sanduíche"(2000) do mesmo diretor de "Ilha das flores" (1989 e provavelmente maior clássico de curta-metragem brasileiro). Jorge Furtado no segundo trabalho, de ficção, não foge ao estilo do documentário. A verdade é que ele parece dominar muito bem a fluidez e permeabilidade dos gêneros.

Assistir uma mágica e não ficar pensando qual o segredo é como fruir a arte e não ficar imaginando como foi o processo, como foi que se chegou até ali. No caso de Sanduíche, o expectador é carregado pela onda de emoções a cada revelação, que a priori pode fazer acreditar que era falsa. Mas logo em seguida uma nova onda de sentimento vem e te arrebata novamente sem que a gente tenha tempo de pensar que é ficção.As atuações são ótimas, fico pensando no processo de ser o ator/atriz, que representa que está representando dentro de uma representação...A verdade é que o que parece uma roda sem fim no filme fica muito bem arrematado.

É a arte, é a vida, cada parte é completa, carrega em si a noção do todo, e a próxima parte, mesmo distinta, também é completa e nocional de um todo que parcialmente nos é revelado, negado, questionado e construído!

P.S. Super; mercado; supermercado; mercantil; peg-pag; secos e molhados; venda...Viva a diversidade lingüística (com trema enquanto o decreto 6.583/08 deixa)!

Oh! Good business! - O REI DA VELA direção de Rogério Torquato

2009-05-11T22:38:00.015-03:00

Oh! Good business! - O REI DA VELA direção de Rogério Torquato

A idéia era pegar cinema mesmo, depois um lanche qualquer de praça de alimentação... Mas não, olhamos o release no sítio do SESC DF. Tá, eu tenho meus problemas com o teatro, especialmente com o teatro local. Mas garanto que não é implicância gratuita, alguns "espetáculos" decepcionam mesmo.

Ok, no release o nome de um amigo de outro amigo. Certo, eu também prefiro os amigos!

Domingo, as peças costumam começar as oito, grande circular, 713S erma...Mas tava lá já um jovem rapaz esperando e a peça seria as nove. W3 sul bombando de silêncio, fomos à estação do pastel, sabe pé sujo?

Senha na mão, peça pra começar, a entrada é free, mas parcelada: uma grande espera na frente do teatro, uma média na porta de vidro e uma mini na entrada da sala. Enfim tudo certo, "A peça", vamos a ela:

Dos dogmas do teatro cult, estava posto o primeiro [atores em cena quando o público entra]. Graças à Dionísio, o segundo se realizou muito discretamente [interação direta com o público] e o terceiro não rolou [atores pelados, provando sua "atitude"].

De cara impressiona o cenário e a caracterização dos personagens. Quando li no flyer "montagem bem humorada", "bufonaria" pensei "é disso que eu tenho medo" como já dizia Regina Duarte. Mas não, ri um monte (Pinote, virou meu autor de cabeceira), e os bufos potencializaram o texto. Não é de fato simples trabalhar um texto engajado, carregado de termos como capital, capitalismo, banco hipotecário, classe, fábrica, proletariado, burguesia.... Mas, "Desde quando a humanidade é um prato de marmelada??" Nunca é demais ressaltar a atualidade do tema, que em termos gerais gira em torno da acumulação do capital, exploração financeira, produção de juros sobre juros, capital sobre capital.

Aliás, O REI DA VELA é baseado em texto de Oswald de Andrade, escrito a partir de 1933, publicado em 1937 e apenas encenado cerca de 30 anos depois.

O trabalho de Vanderson Maciel (As ridículas de Moliére) como Abelardo I é impressionante, em algo me lembra o Sr. Burns d'Os Simpsons. Destacaria ainda a atuação de Roustang Carrilho (O empresário), que enfrentou com inteligência o buraco no meio do palco, e Lucianna Mauren (Abril e Ladrão de mim) com sua Heloisa de Lesbos. A sexualidade "torta" dos personagens, apesar da crítica à Freud, não deixa de ser um sintoma da alienação do desejo, muito característica na frustração de Totó Fruta-do-Conde "sou uma fracassaaaada".

A satisfação de ver uma peça como "O rei da vela" é tanta que o tom elogioso é inevitável, afinal é bom sentir que é possível reagir ao fato de que "ficção no Brasil não dá nada, literatura de fricção é o que rende". Em certos momentos alguns atores parecem ter perdido o pique, saído um pouco do tom, nada comprometedor. Por favor, mudem o som do disparo? Isso vai matar um de verdade ainda. Tudo bem que é uma salva de canhões no texto original, mas temos a licença poética neh?

Ótima música original de Juliano Goulart, pianista e compositor brasiliense (Vontade Sol,- http://www.myspace.com/jugoulart) e Acácio Costa. Cenários muito especiais, de Andrey Hermuche, principalmente o que caracteriza o escritório de agiotagem, onde pintura e volumes harmonizam perfeitamente nas placas de madeira. É preciso reconhecer também o valor do trabalho do cenógrafo na elaboração da "prisão". Dos figurinos apenas diria que é o melhor que poderia ter sido feito, trabalho Cyntia Carla.

Esta montagem d´O rei da vela" é divertida sem ser bizarra, inteligente sem ser entidiante, é, o teatro ainda é possível! Realmente um "bom negócio" para domingo a noite, aliás, de quinta a domingo Teatro Garagem 913S.